沉溺-孙彦初的摄影展览于2014年12月13日下午3点在北京现在画廊开幕。“沉溺”系列拍摄于2004-2011年。孙彦初参加过很多重要的画廊和美术馆展览，并在一些国内外重要摄影节和双年展上获奖。他的作品均为胶片拍摄，银盐相纸放大，统一尺寸24x36cm，统一版数6版，不设AP版，本次展览展出孙彦初8年创作6幅作品，少数作品为独版。

沉溺——孙彦初的摄影
策展人：黄燎原
开幕时间：2014年12月13日
展览时间：2014年12月13日- 2015年1月5日
展览地点：北京现在画廊-北京市朝阳区崔各庄草场地红一号院E座

沉 溺

2009年，在三影堂摄影艺术中心举办的青年摄影师奖比赛中，孙彦初提交了一系列作品。他的作品被选为最终的入选作品。作为一个庞大系列照片中的一部分，其中许多还有待印放，只存在于摄影师的记忆和有待冲洗的胶片中。他将它们称为《沉溺》。

那么，又是什么让孙彦初如此沉溺呢？他作品中所呈现的既不是独一无二的事情，也不是一个单一的主题或对象，更不是一个人或一个地方。他所迷恋的只是一种心境。而相机只是一个工具，一个他用来表现他所存在的物质世界的工具，以及因此而抽离出思想状态的工具。也可以说是对他作品风格的准确描述。因为有着一份日常工作，所以他的有效创作时间只有浓缩到特定的时段，不是下班后就是休息日，但最终还是会回到他所熟悉的环境和日常生活中。尽管有限的时间或许会加剧他的迷恋度，但就孙彦初个人而言，这并不是他在住家附近拍照的原因。因为，他不需要去到很远的地方感受他的目的，或是追寻自然界的美景和与众不同的人物品质。让他迷恋的是在感受和经历到那些单纯的现实元素时去捕捉它们，通常都是在下意识的一瞥之间感觉到的。所以，通過他的取景框内展现的物体和特征，我们可以清楚的看到城市发展、经济增长、现代化建设以及团体和个人之间加大的差距所产生的冲击。我们也看到人们是如何穿衣打扮和相互交往的。但是，所有这些实例都无法令我感受到讲述的内容和中心，我们只有利用影像来虚构故事。在此系列基础上产生的统一性存在于选择画面的姿态中，以及照片所呈现出的氛围。

从有着绝对平常心的日本摄影师森山大道处得到的某种灵感，孙彦初进而将他迷恋的目光投向了物质世界的细节之处。那些微不足道的东西，即便是最普通的大众也会不假思索地丢弃的东西，在他看来都是可取的。通过组成《沉溺》的影像，他引领观者进入一个满含污秽、不甚愉悦且令人不安的人类生活当中，是离今天到处所见的名人效应相去甚远的一种生活。既没有化妆也没有美容，即便有些不愉快，我们依旧被他所呈现的一切所吸引甚或觉得厌恶。如果这是艺术，我们应该如何来调和这个显然脱离了传统美学和价值标准的，只有艺术家才能创作出的东西？不过，如果我们仔细地将这些图片作为一个整体来看，《沉溺》就像是身处六十年代的作品所组成的。可以肯定的是，当摄影师们用相机来探索一些常见的困扰，并表现出人性固有的、人为构建的环境，以及遭受毁坏的景观中阴郁的一面时，孙彦初则设法在这个世界中发现一些奥妙，甚至一丝丝的魅力。受《沉溺》的触动，观者即便不赞同也依然会感觉悲怅，有着同理心而非反感之态。如果不是一个寻求救赎之路，正是孙彦初从本质上无法摆脱的，也是我们的疑问所在。只要他一直痴迷于此，唯一的答案就是他的照片。

文/凯伦•史密斯