2014年3月9日至4月20日，由中央美术学院美术馆、何香凝美术馆主办，希帕中国协办的展览“从卡拉汉到杰夫·昆斯：来自靳宏伟的收藏”将在何香凝美术馆美术馆展出。本次展览的学术主持由王璜生担任，乐正维、冯博一担任展览总监，策展人为蔡萌、谢安宇、汪海。
2011-2012年间，中央美术学院美术馆成功举办了在国内八座城市巡回的“原作100：美国摄影收藏家靳宏伟藏20世纪西方摄影大师作品中国巡回展”（以下简称“原作100”），作为2009 年以来对中国摄影界产生影响的西方摄影作品展，该展也曾于2012年3月巡回至何香凝美术馆展出。而作为中国摄影有史以来，最大规模的以摄影史为线索的西方摄影大师原作展，“原作100”不仅使摄影的“原作”概念在中国形成进一步的广泛认同，更为我们提供了一个重新建立摄影认识的新契机。
本次展览再度从靳宏伟先生新近收藏的一大批藏品中挑选少部分摄影大师包括哈里·卡拉汉、罗伯特·梅普尔索普、莎莉·曼、辛迪·舍曼、达明·赫斯特、安德烈•古斯基、杰夫·昆斯的精品,共有66 幅摄影作品巡展至何香凝美术馆。
无论是“原作100”，还是此次展览，我们如何看待西方摄影的经典与传统，如何感受它的现代与当代，如何认识它作为一个艺术门类的“媒介特殊性”，以及如何将其视为一种宝贵的艺术遗产和视觉参照，进而为我们的当代艺术未来发展提供更多有益的思想和话语资源。这是我们前行的动力，也是作为我们策划此展并巡展到何香凝美术馆的基本出发点。
参展艺术家介绍
哈里·卡拉汗（Harry Callahan，1912-1999年）
卡拉汉出生于底特律，最初在克莱斯勒公司工作。中途离开公司到密歇根州立大学学习工程学。可是他后来选择了退学，重新回到克莱斯勒并加入了它的摄影俱乐部。1938年，卡拉汉开始自学摄影。他与另一位摄影大师托德·韦伯结下了深厚的友谊，两人曾一同受邀参观落基山国家公园。1941年，与安塞尔·亚当斯的对话极大地影响了卡拉汉之后的创作。1946年，他开始在芝加哥设计学院教授摄影。1961年，他搬到罗德岛并在罗德岛设计学院创办了摄影专业，直到1977年从那退休。
哈里·卡拉汗的作品一向能吸引我们更执着地向内探索，直至卡拉汗个人感觉的核心。这种感觉以他对主题的理解来表现，而那些主题又明显带有个人色彩，范围也有一定的限制。30年来，卡拉汗一直在拍摄自己的妻子、孩子，他生活的那些城市的街道，以及他定期逃往的田园风光的细节——素材近在手边，随处可得，所以人们也许认为，一个执着的摄影师可以在某一段时间耗尽自己的潜力。但卡拉汗以其感觉的精准性，一次又一次为这些简单的经历赋予全新的生命。
于哈里·卡拉汗而言，摄影一直是一种生活方式——他与白昼邂逅并妥协的方式。
罗伯特·梅普尔索普（Robert Mapplethorpe，1946-1989年）
一开始，罗伯特·梅普尔索普想要成为一名音乐家，但最终决定在布鲁克林的普拉蒂学院学习绘画。在他的朋友——纽约大都会美术馆版画和摄影馆策展人约翰·麦肯德里的影响下，梅普尔索普开始对摄影产生了兴趣，也开始收集老照片。最初，他只是用自己找到的照片制作拼贴作品，但是到了1972年，他开始用宝丽来相机拍照。1976年，梅普尔索普在纽约首次举办个展，迅速走红。1988年，也就是他去世的前一年，纽约惠特尼美术馆为他举办了大型回顾展。
梅普尔索普感兴趣的主题，包括古典的题材，例如静物、花卉、肖像和裸体，均以严谨的构图和极其精确的摄影风格记录下来。特别是他的裸体照片引起了轰动，并以一种毫不留情的“暴虐”定义了性爱和同性恋。他是一位迟来的古典主义者，并知道如何利用动人的视觉形象来表现有争议的主题。在拍摄了纽约皮装道具场景、男性裸体以及充满色情意味的花卉习作后，梅普尔索普将镜头转向了第一位女性健美世界冠军。此时的梅普尔索普脱离了自己的小资产阶级背景，超越了纽约亚文化群的边缘，一路走向巅峰。凭借他对那些“无法言传”的简洁而优美的古典主义解读，梅普尔索普触动了这个时代的神经并形成了自己的审美观。
莎莉·曼（Sally Mann，1951年）
莉•曼出生于弗吉尼亚州。1975年，她在霍林斯学院获得了写作专业硕士学位。在普特尼，她开始了自己的摄影生涯，处女作便拍摄了裸体的同学。
曼的摄影作品证明，照相机就像演绎日常生活的形态一样，娴熟地反映着潜意识中的欲望。在弗吉尼亚林地的田园牧歌般的背景前，曼为孩子们——埃米特、杰希和维吉尼亚拍下了极为出色、让人倍感亲切的照片，表现了她深爱家人的真实特点，最终反映了一种普遍的特征。曼说她的作品：“讲述了每个人的记忆，还有他们的恐惧”。
曼的照片凭借极端的高贵、敏锐的才智和野性的优美，探索在孩子身上同时存在的依赖和对自主的诉求之间的永恒斗争——依附和远离。这是希腊戏剧表现的内容：急躁、恐惧、自我发现、自欺、痛苦、脆弱、扮演和不朽，所有的一切都在莎莉·曼令人震惊的摄影作品中呈现。
辛迪·舍曼（Cindy Sherman，1959年）
辛迪·舍曼在纽约布法罗的州立大学学习绘画与摄影。1977年，她开始创作自己的第一组摄影作品《无题电影剧照》，从形式上汲取了1950年代美国流行电影的审美趣味。辛迪·舍曼总是把自己放在这些电影画面的中央，再现影院里肥皂剧和爱情故事那些典型的陈词滥调。《剧照》让人们产生一种很熟悉的感觉，观众对此似曾相识。后来几年里，舍曼转向彩色摄影，进而颠覆了常见的传统摄影风格。她创作了《历史肖像》（1988-1990年），装扮成历史上的著名女性；《灾难》展示了用各种让人厌恶的方式摆放的糖果；为了拍摄《性感照片》（1992年），她将成人用品店里的各种物品与性感内衣和外科器具摆布在一起。此外，舍曼还创作了一系列时装摄影作品，用一种非常奇特的方式将时装与神秘怪诞的模特结合起来。其结果就是将时装摄影背后的理念——即以诱人的方式展示服装，带入你的脑海。辛迪·舍曼从来不羞于将自我放在令人厌恶的背景中，她经常会摇身一变成为新的角色，从而将自己的艺术置于很多不同的语境之下，从女权运动到文化探索，心理分析阐述的观点显然是贯穿她的所有作品的一条主线。
杰夫·昆斯（Jeff Koons，1955年）
1976年，杰夫·昆斯毕业于马里兰艺术学院。大学毕业后，昆斯并没有立即从事与艺术相关的工作，22岁时，移居纽约，并在纽约现代艺术博物馆里谋了一个职位。在新表现主义艺术盛行的年代里，昆斯是个完全不被接受的异类。为了继续艺术创作生涯，他去了华尔街当起了证券经纪人。但他并未放弃创作。1980年代初，作为Neo-Geo的激进的倡导者，昆斯首次进入人们的视线，引起艺术界的关注。1985年是昆斯的转折和突破之年，他在纽约东村办展览。他在这次展览中展出了放在液体中的篮球、救生艇等仿制品。
80年代杰夫·昆斯受到严重质疑，但今天的评论界却很肯定杰夫·昆斯在艺术史上的地位，认为他把握到了80年代起富裕社会里人们不可抑制的消费恋物风气。30多年来，杰夫·昆斯创作的作品多达20多个系列，数量上万，他几乎每年都在不停地推翻自我，重新进入新的语境和创作形态。
达明安·赫斯特（Damien Hirst，1965）
达明安·赫斯特出生于布里斯托，在利兹长大。父亲是一位机车司机，在达明安·赫斯特12岁的时候离家出走。母亲是一位爱尔兰天主教徒后裔，就职于公民咨询局。据其母亲说，赫斯特少年的时候就不顾管教，两次因商店行窃而被捕。不过，赫斯特视母亲为无法容忍叛逆的人：她把赫斯特紧绷绷的裤子剪开，在炉灶上将他的一张《性手枪》黑胶唱片加热，让它变成了一个水果盘。但是，母亲培养他对绘画的爱好，这是他唯一一个成功的教育科目。
达明安·赫斯特的作品备受行业和主流媒体的抨击和批评，认为他的作品完全“不值一看”，好像艺术学院新生的作品，脑袋有点想法但手上没有丝毫技术、并且显露出拙劣、粗糙而又无聊。然而，相比而言，完全假他人之手而实现的作品更是让人诟病。到目前为止，有报道说达明·赫斯特只亲手完成过5 幅画，而其余流通在市面上的三百多幅“正版真迹”其实出自他的两名助理之手。这的确有点让人瞠目，但是却丝毫不会影响到他的“天价”行情。
安德烈·古斯基（Andreas Gursky,1955）
古斯基以对当代生活的醒目的大画幅彩色描绘而著称。古斯基出生于德国莱比锡，在杜塞尔多夫长大，父亲是一位商业摄影师。二十多岁时，他在西德著名的职业摄影师机构福克旺艺术学校学习摄影。早期朴素的作品深受在福克旺的岁月的影响，那里的课程大体着眼于新闻摄影的直接拍摄的手法。八十年代初，古斯基在国立艺术学院拜在国际公认的摄影家伯恩·贝歇和希拉·贝歇门下。就读期间，古斯基深受贝歇夫妇以及同门西格玛·波尔克和格哈特·李希特的观念审美哲学的影响。
他的早期作品最初被视为贝歇美学的延伸，但最终被认可为独特的“古斯基风格”。他背离了他们的教导，创作大幅彩色照片，有着近乎疯狂的细节记录。九十年代以后，他的成熟作品迅速发展起来，开始着眼于表现了国际上对当代社会的看法的场景和地点。极度的细节成为他的当代风格的标志，特别在《九十九美分》和《劳动节》系列的摄影作品中非常明显。今天，他的作品继续描绘那些一眼便可以认出的都市空间中发生的场景，从百货公司、酒店，到德国国会和芝加哥交易所。
