“花间·慢——罗敏作品展”

由北京画院主办，北京画院美术馆承办的“花间·慢——罗敏作品展”于6月18日在北京画院美术馆开展。展览以花为线索，分为三个系列——“川南忆”、“游春记”和“花间集”，共展出作品80余件，展览将持续至6月28日。

五代十国时期，后蜀人赵崇祚收集“诗客曲子词”，编纂成《花间集》，以供诗人文士在花间集会时吟唱。同样生于蜀地，在画家罗敏的创作中，“花间”也是贯穿始终的意向，在作品里或盛开或衰败的花丛中，一些模糊的形象、场景，或情绪悄然出现，而这些内容似乎都与植物共享着同样缓慢的时间流速，展览的名称“花间·慢”正取义于此。正如北京画院的吴洪亮院长所说，只有慢，才能清楚地看和感受，展览希望传达出花间的慢的力量，那是一种愉悦并引人思考的力量。

罗敏画室

七月，布面油画，150x120cm，2018

花间集No.1，布面油画，40x70cm，2020

蜻蜓1，纸本设色，24x25cm，2020

“人之生死，事之成败，物之盛衰，都可以纳入‘花’这一短小的缩写之中”，花开花落的遭遇，“极易唤起人类共鸣的感应”。[1]在历史上，花以其美丽、短暂、脆弱的存在形态，被捕捉进无数的诗词画作中，并常被作为精神所指和情感寄托。但在罗敏的作品中，花更多指向的是时间和空间中的存在本身，而非某种意义的隐喻。

罗敏画植物已有十余年，她捕捉植物的方式是在安静的画室用画笔和植物对话，“你几乎可以听到那些植物的心跳”。[2]画家以这样一颗敏感的心观察植物的微小和脆弱，再用细腻的笔触将其描绘出来。从鲜花盆景到野草枯枝，不为常人在意的，朴素自然的植物生命就这样进入罗敏的作品中。传统中国画强调“以形写神”，罗敏的创作也基于此，她的重点“既不是对象的形貌，也不是笔墨技法，而是事物内在的‘生命’，这是画家本人的生命体验与自然生命的共鸣。”[3]

日积月累的观察和描摹使罗敏能够灵巧地再现植物的存在本身，但更为关键的并非“花”，而是“花间”。以拼贴的方式，罗敏在花丛之间穿插了源自个人的记忆与感受碎片，人物、鸟兽、字画一起，赋予了“花间”更多维度的叙事空间。

模糊的碎片

夏，纸本设色，20x21cm，2020

春游 No.18，纸本设色，78x70cm，2020

游春记，布面油画，200x160cm x2，2020

“她笔下的花与人，更像是一种拼图——先在童年的记忆中抠图，然后在花木符号间拼贴。”[4]正如吴洪亮所言，此次展出的作品很多由碎片的拼贴组成，几个元素或几幅小画共同构成一幅大画，无论是画面组成、叙事结构，还是情感的表达，都呈现出“碎片”的状态。

“碎片”是罗敏自己用来形容其作品的词语。作为材料，碎片可以带来更多内心的空间和想象力；作为情感体验，碎片是敏锐的感知捕捉到的无数细微片段；而在时间维度上，碎片是记忆残渣的堆积，是过去和现在的各种经验和感受混杂在一起时搅起的漩涡。在意大利作家埃莱娜·费兰特（Elena Ferrante）看来，碎片是在不平静的处境之下，生活碎片沉渣泛起的一种状态，在更宏观的层面上，碎片还是祖祖辈辈女性对于生命之花绽放过程的自我监控。同样是碎片，在罗敏这里，少了与生活对抗性的力量，多了一些淡然与随和，这种心境在笔墨的浓淡中得以展露。

我们和妈妈 No.6，纸本设色，68x87cm，2019

碎片与记忆紧密相关，对于罗敏来说，记忆碎片最直接的来源是与母亲和姐妹的相处。罗敏与母亲的相处是片段式的，罗敏14岁时，母亲离开了她和妹妹，之后几年，母亲的形象在罗敏心中是模糊的，多年以后，母亲才重新走进她的生活。现在与母亲的相处变成了每年的探望，这种片段式的相处模式放大了时间的作用，使罗敏更清楚地看到母亲的变化与衰老，看到几十年间整个时代中平凡女人的命运缩影。每当看到老照片，罗敏都会产生一种强烈的情感，但她无法清晰地用言语表述这种情感，而是只能用画笔“抓到时代的一点点碎片”。[5]

人民公园的秋天，布面油画，80x80cm，2019

除了女性敏锐混杂的感受，罗敏对时间也有着哲学意义上的思考。在古希腊哲学中，图像是对一个带有过去的时间烙印且已不在场的事物的在场呈现。[6]罗敏在创作时，习惯于在画布上记录下此时此刻的日期，当作品完成时，画面中已有了数个不同的日期，成为时间的烙印，提醒观者图像与在场之间的间隙。时间的间隔造成记忆的失真，罗敏也将这种失真呈现在画面中，在处理以老照片为原本和灵感的作品时，罗敏常常将人物形象画得模糊，“记忆并不清晰，而是在心中若隐若现”[7]，氤氲的笔墨正是对记忆的“写实”，一种夹在记忆和遗忘中间层的，更贴近感受的真实。

持续生长

罗敏画室一角

花鸟图No.2，布面油画，50x60cm，2019-2020

罗敏常用“始终在路上”形容她的创作，在持续的自省中，无论是艺术家个人的思考，还是传统或当代的艺术技法，都获得了持续生长的力量。当技术越来越熟练的时候，罗敏也越来越警觉，熟练的技术容易将画家框定在某种模式中，这对艺术创作是极为危险的事情。罗敏认为此时画家应该回到最本真的东西，“不断要去除油滑，永远要保持一个纯真的心去画画”。

纽约普拉特大学教授乔纳森·古德曼（Jonathan Goodman）将罗敏的创作定位于中国传统艺术与表现主义的融合，单从形式准则和笔墨技法上看确实如此，然而，画家对艺术语言的选用往往更为灵活和自然，时间、地域与风格的限定与所谓融合或许并不那么重要，是否能使艺术语言为传达时代和个人的声音所用，才是艺术家更为核心的工作。面对传统与当代的关系，罗敏表示，作为当代的职业艺术家，与传统和规范性的技术发生关联也是必须要持续做下去的工作，或许一时达不到理想的效果，但要始终在探索的路上。正是在艺术家持续的探索中，艺术语言才获得了植物般生生不息的生长力。

注释：

[1]叶嘉莹：《迦陵论诗丛稿》，河北教育出版社，2000年，第53页

[2]罗敏：转引自节目《北京画院名家展播》

[3]吴娱：《有限空间中的极限运动——罗敏油画中的中国传统艺术精神》，《美术观察》，2013年12月

[4]吴洪亮：“花间·慢“展览前言

[5] 罗敏：转引自《技与道｜罗敏：跟随心性边走边看 丰富自己的艺术之路》，“北京画院”微信公众平台

[6] [法]保罗·利科：《记忆，历史，遗忘》，李彦岑/陈颖译，华东师范大学出版社，第3页

[7] 部分引用来自笔者开展当天对罗敏的采访

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