《移动的时间：录像艺术50年，1965－2015》呈现了在过去的五十年中对录像艺术的发展产生过重要影响的精选作品。20世纪60年代，艺术家开始不断拓展旧的、传统的艺术形式的边界，探索他们身处的当代世界。而商用便携式录像机的出现为艺术家提供了一个创造新类型实验之作的良机。

在当今世界，随着不断的全球化、快速消费和即时性，我们被移动的形象所包围。因而或许现在，比以往任何时候，非常有必要对于作为一种艺术形式的录像艺术的历史和发展给予密切关注。因而，展览“移动的时间：录像艺术50年，1965-2015”探索的正是录像这一媒介从诞生之初直至今日的发展历程。相对于漫长的艺术史，录像艺术是一种非常新的现象。因而从一个历史考察的角度去呈现这一录像展似乎显得很奇怪。然而，过去五十年所发生的技术和观念巨变显而易见；甚至“录像艺术”这一名词本身也成为当代艺术家探索比如其他数字平台的某种误称。而“电影”和“录像”作为专有名词——尽管暗含了技术和历史的差异——却几乎从一开始就经常被互换着使用，并且随着持续的技术进步不断地产生意义的合并。

白南准的行为录像《扣子偶发事件》和安迪·沃霍尔的录像记录式电影 《外与内》均创作于1965年，展览也以此开始。这两位艺术家完全独立地创作，开风气之先，将录像融入他们的艺术实践，并接受了其所呈现的新兴创造的可能性。

以影响深远的1965年为起点，许多艺术家开始将录像与其它以时间为基础的媒介（例如前卫电影和行为艺术）相结合，比如，20世纪70年代就有许多作品从录像的技术和观念方面进行试验。而展览《移动的时间：录像艺术50年》通过呈现当时那些女性前卫艺术家的作品来突出这一点。她们的作品都触及技术干预、性别、性和身份认同的问题。

展览的第三部分是向三位艺术家——让-吕克•戈达尔（Jean-Luc Godard）、克利思•马克（Chris Marker）和哈伦•法罗基（Harun Farocki）致敬。他们每个人都有以叙事为基础的电影拍摄的背景，都专注于用录像艺术创作具有社会和政治意识的作品。他们的作品同时在电视台和画廊播放，充分利用录像机的便携、轻易可得以及在编辑和操作方面的相对便捷。

纪录和投影技术近期的更新发展在尤利安•罗斯费尔德（Julian Rosefeldt）展于布罗德美术馆的体验式九屏装置影像作品，以及展于中央美术学院美术馆的《深金》（2013/2014）中得到了明确反映。与之前介绍的作品一样，这两件作品同样表明媒介在传递社会评论方面的能力，并在录像艺术和前卫电影的连接中展开。

展览的最后一部分呈现了全球范围五位当代艺术家：翁云鹏（中国）、路易斯•费利佩•奥尔特加（Luis Filipe Ortega，墨西哥）、纳斯蒂奥•莫斯基多（Nástio Mosquito，安哥拉）、萨姆•朱瑞（Sam Jury，英国）和米歇尔•汉德尔曼（Michelle Handelman，美国）的单屏影像作品。和他们的作品并肩呈现的是由每位艺术家选取、曾对他们个人的艺术创作产生过特殊影响的“历史之作”。整体而言，这10件单屏影像作品的布展方式与整个展览探讨的主题和思想发生共鸣，反映出录像艺术这一创作媒介的多样性，同时体现全世界当代艺术家在录像艺术方面的持续创作。

《移动的时间：录像艺术50年，1965－2015》，这一展览是布罗德美术馆的奠基人、国际公认的影像艺术研究先驱迈克尔·拉什先生生前构想的最后几个展览之一。特别感谢策展助理卡特娅•里维拉，正是因为她不辞辛劳的工作才让此次展览得以实现。《移动的时间：录像艺术50年，1965-2015》由美国密歇根州立大学布罗德美术馆策划，展览得到布罗德捐赠展览基金和密歇根州立大学布罗德展览基金支持。