2016年9月2日，中央美术学院美术馆迎来著名摄影师罗杰·拜伦于北京的首个个展“荒诞剧场”。本次展览由中央美术学院美术馆主办，中央美术学院美术馆馆长王璜生为展览总监，美术馆学术部副研究员蔡萌博士担任策展人，呈现了艺术家罗杰·拜伦近20年创作的摄影及2件影像作品。

“从对人性荒诞的理解，生活就是这么荒诞，它确实是。”

展览主题“荒诞剧场”可贯穿于艺术家罗杰·拜伦最典型的摄影作品之中：正方形画幅的黑白照片，充满戏剧性的杂乱场景与涂鸦，电线、绳索、破布、灯泡、开关、报纸、涂鸦、小玩偶……最终由一面“墙”终结了空间的维度。那种强烈的封闭性和压缩感，不苟言笑地散发着荒诞、虚无与沉默气息，呈现出一种神秘、野性和荒诞感。

“荒诞是人性中不可或缺的一部分”，罗杰·拜伦谈到他理解的“荒诞”，“1960年代左右，通过接触贝克特（Samual Beckett）、品特（Harold Pinter）和尤内斯库（Eugen Lonesco）的作品，我开始对荒诞派戏剧产生浓厚的兴趣。”自1990年代中期，拜伦开始通过拍摄照片表达荒诞的主题——“人们的行为没有理由，没有方向，也没有终极的目的。”摄影在这主题下与悲剧和疯狂联系在一起，成为一种常态，“直到现在，荒诞剧的审美观已经完全主导了我的作品。”

本次展览策展人蔡萌认为，当今中国的现实正被一种超大规模的景观性“巨大荒诞”所笼罩。荒诞存在我们当下生活周围，可以说，眼前这个时期可能正是人类历史上从未有过的史诗般荒诞，“在我看来，这种‘巨大的荒诞’已经可以被看成当代中国的一个重要文化命题。”或许面对如今城市化运动所带来的翻天覆地的快速变化，我们更需要在这大片“荒诞的虚无”之中，去深刻思考。

“当我们去思考荒诞的时候，我们想象那是可笑的，但它又没那么可笑；有很多东西都是值得去笑的，但我们并没有笑……去面对、去了解我们自己，这非常重要。”开幕式上，罗杰·拜伦如是说。

“荒诞”如何在美术馆空间上演？

本次展览邀请了孙华担任空间设计，孙华表示：“这是对常规意义摄影展的挑战，也是对美术馆空间的挑战，更是对罗杰先生作品的挑战。”

设计师将罗杰·拜伦钟爱的黑白灰基调发挥得淋漓尽致，整个展厅仿若一场盛大又神秘的“荒诞剧场”。作品或被放置于立在地上的方形木架上，或从展厅上空悬挂而下，又或直接铺于地面，刷成黑色的展墙与黑灰间隔的不同材质地面呼应，特殊的呈现角度带给了观众不同的视觉体验。

“我有50多年的摄影展经历，但这次是我见过最棒的摄影展现场。”对此，艺术家罗杰·拜伦给予了极高的评价。

“概念模糊，对我来说是好事。”

可以说，罗杰·拜伦的“荒诞剧场”跨越了摄影本身，不仅仅只是一个摄影展。所有摄影作品被包围在一个一体空间内，不禁让人发问：这是一个摄影展还是一个装置展？当摄影在作为知识生产的美术馆空间呈现的时候，它们之间所形成的话语张力如何发生奇妙的关系？超越了摄影本身的展厅设计，是否会模糊了观众对于作品的印象？在设计师把“荒诞剧场”用空间表现出来之时，摄影在其中扮演何种角色？

对此，罗杰·拜伦说道，“孙华先生创作了‘艺术中的艺术，这其实就是对我作品最好的解读。”是摄影展还是装置展？对于这两者的模糊界限，罗杰•拜伦表示这并不用刻意区分，“概念模糊，对我来说是好事。摄影作为一种艺术形式，装置也是一种艺术形式，影像也是一种艺术形式，我们所创作的‘剧场’又是另一种艺术形式，在我们之中有四种艺术形式共同存在，它们共同创造了一个艺术现实。我希望这四种形式的组合或者其中一种形式能够进入你的心灵，停留于你的心灵，乃至改变你的心灵。”

从早期的纪实摄影风格，到现今让其赢得国际荣誉的“装置摄影”形式，罗杰·拜伦始终用其艺术敏感去挖掘生活中最真实的本质，他的作品如同一个个黑白梦境，冲击眼球又引人深思，“我更愿意去呈现一种视觉关系，将真实性和虚构性放置一起，更具冲击力。”罗杰·拜伦说。

“罗杰·拜伦：荒诞剧场”于9月2号在中央美术学院美术馆3层B展厅开幕。开幕当天中央美术学院院长范迪安、中央美院美术馆馆长王璜生、本次展览策展人蔡萌及艺术家罗杰·拜伦等悉数出席。展览将持续至9月23日。

文/林佳斌
图/胡思辰