研讨会时间：2015.9.11
地点：中央美院美术馆贵宾厅
（根据座谈会现场发言整理编辑）
朴天男（韩国著名策展人）
今天看到王华祥老师的展览，我非常震撼。作为一个资深策展人，曾经接触过不少中国当代艺术家和优秀的展览，可是不免千篇一律。可是今天我看到的是截然不同的作品及展览，是一位艺术家赤裸裸展示给大家的。我认为王华祥的“三条命”展览是整体的祭祀，是巫师们的仪式。在他的整个展览布局及作品的形式内容中，我感受到一个祭祀长在祭祀活动中的特殊身份，在作品中所表现的主要内容包括文字性的叙写方式，我不认为他是在东方传统绘画中的简单题文或说明，我更强烈的感觉到王华祥作为祭司给作品赋予一种祭文的形式。
王华祥的作品是一个表现自我的自画像，同时也是整体时代社会的自画像。所以，我在他的作品中看到了我自己，可能很多人也跟我有一样的感受。在王华祥的作品中有着生命、死亡、希望等深远寓意的融入，这三条隐线在物质万能的时代中，重新回到我是谁？我从哪里来？我往何处去？有限和无限、欲望与虚无、生与死，他以艺术的方式自然地来阐述。
另外王华祥的作品形式也非常多元化，有早期的版画素描，还有油画和装置，这一系列整体的艺术表示形式是王华祥独特艺术造诣的表现。他勇敢地突破了以往传统对存在方式的质疑，有着周密的安排和结构的呈现。看到作品时就像一个活生生的生命体在演示，存在又消亡，另外它还有一个颤动，会与观众共同地呼吸挣扎。
王易罡（鲁迅美术学院美术馆馆长）书面发言《西游记》
一位真正的艺术家必然是位出色的武士，重要的是敢于对自己下手，该砍啥砍啥，砍手、砍脚、砍胳臂、砍腿、再不行就砍头或者挥刀自宫。舍弃本该丢掉的 一切东西，否则这也留恋那也留恋，是没有希望成为一位真正的艺术家的。一位真正的艺术家也一定要有一把锋利的武器，那就是独立的思考与判断，保护自己，不 断前行。王华祥就是一位特立独行的武林高手，敏锐的感知力和直率的个性，几乎精通十八般武艺，也让他找到了通往东西方之间的探索之路。
在王华祥的创作生涯中，我们可以看到不同时期，他整合了艺术史各个阶段的特征与演变， 他在当下对话古典，并在这种对话中表现他对传统的敬意及对当 下的自我解嘲。艺术界总在讲要打破传统、西方、东方。我们一直在努力打破传统，建立新的艺术语言和艺术世界，但是我们往往将传统打破，碎了一地，又或者不 愿触及传统，怕跟不上时代的脚步。很少有艺术家可以将两者的存在关系拼接在一起展开对话，而王华祥最近的一组作品中，我们找到了一种关系中所存在的问题， 以及他自己在这种关系中的位置。他更像是一位旁观者，认真审视并通过自己的方式提示着我们每个人。
西方人常说，如果你没有读过圣经故事，是不太容易深切理解西方古典绘画的意义。王华祥的作品中，我们可以看他到对信仰的虔诚，这种虔诚体现了一种平 静。在他最新的一组作品中透出被肢解的力量，行李箱里的古典雕塑、假花，似乎有种祭祀的神秘感。王华祥将这一切凝固、永恒，那是心底封存的美好，而旅行箱 上自嘲似的绘画更像他自己所生活的当下，画面从文字和人物头像中反思丑陋与不堪，他让绘画从平面走向立体，而这种西方的形象又被东方强制肢解。将中西方符 号嫁接的方式，是上世纪90年代中国艺术家运用比较多的方式，这让西方收藏家关注我们，并让当代艺术家的作品产生价值，带动了生产力。艺术产业化让很多艺 术家变成了资本家，大家的探索和追求都显得那么的简单粗暴。这种“798”风格我们至今还经常能在二线城市的公共场所里看到。王华祥对自我的反省和认知是 非常敏感的，他很快调整自己的状态，决定以“整容”结束过去的风格，从零开始新的创作征程。
在《风往回吹》这组作品中，我们已经发觉了他的变化，鲜花、裸体、古典唯美的色调、性的隐喻，甚至暴力，这些都出现在日常生活中，画面中出现的人物 像是目睹这一切的旁观者一样冷漠，性所带来的伦理问题、权力问题、消费问题，以及作为绘画主题时它复杂的隐喻，这更像是在讲述人性的本原。而最新的作品 中，作品不再那么张狂，对画面的控制和把握更加平和，王华祥描绘了一种虚构的痛苦，这种痛苦不像在资本主义早期有具体的敌对对象：资本家、商品、机器和金 钱。现在，这些象征在伦理上已经很难去明确批判。一切会使人痛苦，但一切又找不到痛苦的根源。而且在当代全球化时代，这种痛苦是与美丽的视觉消费文化和身 体的感官舒适相伴的。他在画面上也刻意堆积和融汇一些矛盾、虚无和压抑，在一波一波漂亮、妄想、离奇和酷到极致的画面般的视觉冲击下迎面扑来，让你禁不住 流泪、伤情。他最新作品中，那种突出的而且是美丽的对厌恶之物的陈示，他使用同样的戏剧手法和幻想的形象来构筑同样不寻常的景致。在这批作品中，身体被围 在中间，人的身体被重新安排，或者身体的局部肢体，或躲或理在散乱的堆积物中。
这些作品中神秘的场景，与当代社会中的暴力和混乱形成相对应的关系。然而身体也似乎遭到攻击，我们遭到来自每个人的身体及其适应性的压抑。在将身体 作为社会的比喻的分析中，芬克尔斯坦因认为在西方文化中，对身体的控制是形象与身份的标志。19世纪欧洲文学史上的突变角色是一种社会不公正对待的暴力反 抗结果，它们也都接近人类。这或许是它们为什么招人迷恋的原因，为“我们好象隐藏了另一个自我，一个未显露的受到压抑的一面，因为我们生活在对它的恐惧 中，我们知道它有可能在任何时候爆发。”
旅行箱打开是一个分裂的世界，关上就是一个完整的个体，这更像是我们每一个人对待外界与自我的状态。华祥看透了这些，走了一圈，所有的经历和变化都变成养分的泥土，让他扎根，等待花开……。
杨卫（批评家策展人）
应该说中央美院美术馆的展览肯定有它的规范，但这个展览感觉在宋庄看展览，非常野路子，我就想起来王华祥的艺术状态，他们60后这一代人已经渐入中年，他们曾在90年代引领过风骚，虽然现在舞台上真正唱戏的还是这一代人，但他们中大部分已经停顿，甚至面临着中年危机。因为我经常接触，能明显感受他们身上逐渐萎缩的东西，无论是创造力、生命力还是思考的能力。在这样一个平均状态里，王华祥可谓独树一帜，还有这样的爆发力，特别难能可贵，这是我的第一个印象。
回到画面、作品本身，王华祥这20多年来，其实一直徘徊在潮流跟边缘之间，时而参与又时而退去。他的作品也涵盖了这20多年来各个方面的一些现象，这个展览的作品具有强烈的表现意味，表现主义往往在生命力更旺盛的时候体现比较明显，王华祥在他年过五旬的时候仍有这样的爆发力，这应该是他艺术的一个重新开始。我很赞同展览的主题“三条命”，它暗示了某种东西，暗示着王华祥在这个阶段有一个新的转换，新的开始。
另外，艳俗在他的作品里确实有，但跟我们过去讲的那种艳俗完全不同，形式与观念的不同。我们当时做艳俗还是想如何让西方看到中国方式的艺术线索，也就是说寻找民间资源构建所谓的中国符号。王华祥借用了艳俗的成分，但不是艳俗艺术，更多是带有某种凄艳，这是他思考状态规定的，实际上他是为这个时代唱一首挽歌。
最后想谈一下王华祥为什么有这样的创造力呢？不仅仅只是生命的冲动，一定是有思想的支点支撑着他往前走。如果一个艺术家仅仅靠生命冲动，走不远，为什么？可能一开始是出于对生命的召唤，原始本能的冲击，但后期的供给不够，使得这种能力逐渐地消退。王华祥为什么能坚持呢？因为他是一个很善于思考的人，我几乎每天都能看到他对很多事物进行表态和发言思考，他的脑子从来没有闲下来过，甚至比某些批评家还想得多。当然艺术家和批评家的思考方式是不一样的，艺术家会围绕自己来思考问题，批评家不是这样的，是更加理性化的方式。我想王华祥作为艺术家，至少是两条命或者说是他的两条腿，使他走得如此之从容，一个是旺盛的生命力，一个是思考的能力。
李磊（上海美术馆执行馆长）：因为我心没死，所以我还哭泣——远望王华祥
王华祥是个大侠，路见不平一声吼，该出手时就出手，但每一次出手都很怪异。我第一次知道王华祥是因为他的获奖版画《山民》系列，在中国还是单色、概括版画创作方法当道的时候，严谨细腻的学院风格让人耳目一新。更重要的是，《山民》系列透露出的同情与关怀，不仅感动了观众，也成为王华祥日后艺术创作的主线。王华祥有超常的造型解析能力，他的素描出手怪异，然而在他的笔下那些神情怪异的素描人物无不扎扎实实，真实可信。华祥做过很系统的素描教学研究和实践，面对他每一幅素描我更愿意认为那是他的创作，内心激荡的情感让他一出手就有东西。王华祥画油画也许不算正统，但是在他的艺术中用什么方法已不是个问题。他画过大量的历史研究的绘画，他把绘画作为一个中国人俯仰天地、上下求索的手段。我们很难用一个什么主义或某代艺术来标识他，但是如果能沉静地伫立在他的画前，我们会发现面前有一颗偷取火种的心。这次展览华祥将他多年的平面思考空间化了，把历史的思考现实化了。在这些作品里我们还是看到一颗热滚滚的侠义之心、同情之心、悲悯之心。他的艺术不是美丽的花花草草，他是要吓我们一跳，让我们警醒。
邓平祥（美术评论家）
我跟王华祥曾经是邻居，应该对他是比较了解的，他的版画和素描我不说了，已经定格在当代艺术史当中了，我就说他90年代以后的这种绘画，主要是油画和今天的装置。贾方舟先生说他是野狗，我想说得文雅一点，我认为他是一个文化的野孩子。
其实这是一个深刻的、世界性的哲学问题，思想史的大问题，就是说文明和文化发展到一定时候，就根据悖论定律走向自己的反面，所以中国圣人讲“礼失求野”，西方也讲这个，有一个著名的命题就是“被文明教坏了的人”，这是一个文化批判问题。我觉得王华祥是一个比较典型的人物，他非常自觉的、有能量的充当了一个文明的野孩子，很诡谲的是，他还是在体制内美术学院里成了一名文明的野孩子。现当代艺术，文化反抗的命题特别强烈，毕加索曾说过一句非常有意思的话，就是说我们要有艺术以免死于真理，真理是什么？是理性。艺术是人的感性冲动的产物，我们把这句话用在王华祥的艺术上也非常贴切。
严渊（浙江理工大学公共空间艺术研究所所长）
艺术作品如果不关注本体，那么它不过是某种形式的产品说明书罢了。什么是本体？对艺术作品来说，是不可更改的某种类似基因DNA的东西，不可改变，并只专属于个体。具体的艺术创造同样如此，他们与生俱来，硬核难化。所以，一流的艺术作品是个体用视觉呈现自己基因的方式。坦率的讲，之前并不了解王华祥老师的存在状态，他在中央集团军中间，又是80年代全国美展金奖获得者。如果在“中央军团”之外的任何地方，早该盖一座“庙”封起来了。而细听研讨会上的发言才了解，他还属于“黄埔系里面的杂牌军。”经过了漫长的“蛰伏”，竟至孤立无援经年！其境遇非外人所料。精神上的突围，意志上的煎熬和现实世界之间的交战——是所有有机会享受过“蛰伏”状态人的标配。在这里，沉沦和突围是必定的，这取决于个体生命质感，因为，命运来源于人性。所以，展览的现场，到处都是耿骨难化残枝，哪里都是喷洒灼人碳火。一个拼命的姿态，像一个狂呼大叫的野人，在现场，哪有时间或理由去顾及形式、观念或者技术了。如果，有机会“孤立无援”，有机会“咳喘难继”的话，你除了嚎啕大叫，你除了拿命一搏以外，还能顾及什么呢？还会有选择吗？
石涛说：一笔生万笔，拳经有一势生万势。赵孟頫说，笔墨千古不变。是的，总有些东西不能变，也变不了——只有在你孤立无援的时候，你才不能解构自己，只有在你咳喘难继的时候，你才无法跨界玩票。当自己归为一的时候，就是你不可更改的地方。只有人在无法解构的唯一状态下，生命或者说艺术的创造才由内而外生长出来，这就是千古不变的道理，这不是观念，是可操作的可落实的中国艺术传统。而所谓艺术作品的当代性或现代性，诸如此类……并不构成艺术作品判断的终极法则，也未必是艺术作品合法化的最终旨归。艺术的归旨在于人，如果去掉了人的因素，艺术什么都不是。人是有质感的，这种质感来源与你对自己生命的理解和围护，你是一条命，我也是一条命，也许王华祥老师面对的世界太大，便用三世的性命拿来一搏。中国艺术的传统是人的传统，不是观念的哲学的或者文本的艺术，无论你身处在何种纬度里，谈到人，那种传统就会隐隐显现。我想，不必绕道观念、当代或现代理论作为终极意义，但还能靠人自身本体显现就可以立的住的作品，或可是中国当代艺术解开连环扣的一个关键点。谢谢！
尹吉男（中央美术学院人文学院院长）
我觉得王华祥的作品是那种特别独白式的，像他的《王的辞典》一样，永远在发布对事物的终极看法。我跟他比较熟，其实王华祥表面上是会听别人意见的，但实际上他绝对不是，他按照自己的既定方针已经设计了一条轨道，就按那个策马狂奔，但他永远会做出一个接受你意见的微笑，今天这个展览也反映他的一个思想方式。
这次的展览叫“三条命”，我觉得挺好的，有一条命就在他家乡，在家呆着呢，有一条肯定是在中央美院。我不知道他是不是在想其他的，我是想说这就是坚持某些乡土性的核心价值，他要想表达丰富，用那套原汁原味的语言好像不能够淋漓尽致，这就变成了我的倔强不能用倔强的方式来表达，而要用半倔强半灵活的策略方式，或者叫当代语言的某种方式来表达。因为你毕竟要进一个展览体系，要做一个批评。王华祥的艺术会有一种不同的状态，装置是一个状态，早期素描是另一个完全不同的状态，但这些状态都是独白，而不是对话，都是断论式的，他会告诉你一个结果，是不容讨论的。我与西川、李军老师一块做“三人谈”， 谈了很多的话题，谈到过中国当代社会特性的问题，谈过平民文化的问题，有时候想如果遍地都是一种知识分子的语言，跟中国环境不太像，如果是零零散散有几个知识分子在发声，就特别像中国，如果像网络一样遍地都是，就觉得特别不像中国，也不像中国的实际状态。
整理、编辑/郭一頔
