云展丨身临其境的西方经典艺术展，足不出户一篇全收
编者按：
受新冠疫情的影响，博物馆、美术馆等艺术空间均受到影响，纷纷暂停开放。在此期间，各大博物馆开启“云展览”服务，以满足游客观展需求。当大量的线上展览涌入到我们面前时，如何在良莠不齐的线上展览中获得较高的观展感受，并不是一件易事。目前的线上展览主要分为“云展”与“全景-VR”两大模式，“云展”主要提供展览信息以及展品的图片内容，缺少互动性与真实感。“全景-VR”则通过VR技术还原展览实景，并可以佩戴VR设备进行观展，高度还原展览现状，观展体验感很强。但不同VR技术质量，也給观展体验带来影响。近年在线数字展与往年相比，清晰度、操作方式、互动感更强。目前大多数的线上数字展览内容主要来自于各博物馆或美术馆等以往举办的经典展览、常设展览等。但如果不假思索的进入这些数字云观展中，必会带来观展困境。
艺讯网将在海量的线上展览中，以专题的方式精选优质数字展览，满足观众疫情期间的观展需求，也可以作为学习、研究使用。本期云展在第二期《再探经典，西方现代艺术（1907-1945）专题展》的基础上，将以中国近年内举办的西方古代、古典与后现代艺术展览为补充，推荐具有代表性和观展价值的线上展览，并展示出在中国视角下西方艺术展览所呈现的特点。正值国际博物馆日，在疫情期间，让我们以线上观展的方式，体验全景VR艺术展览，弥补哪些你曾错过的好展。
01
《“爱琴遗珍”希腊安提凯希拉岛水下考古文物展》
故宫博物院
“爱琴遗珍——希腊安提凯希拉岛水下考古文物展”的展品打捞于一艘公元前一世纪的沉船，这艘船从希腊化的小亚细亚沿岸港口出发，驶向意大利的罗马共和国，不幸半途沉没于安提凯希拉岛附近水域。为突出展品韵味，希腊国家考古博物馆与故宫博物院的设计师在神武门展厅做了精心设计。海蓝色被选为展览主色调，展品放置在白色展台上。蓝色象征海水，白色象征海底细沙。一个巨大的大理石马躯干和众多红陶器皿堆放在一起，底下铺满沙子，仿佛是当年水下的场景再现。橱架上摆满了船员们使用过的陶灯、陶瓶等生活器具，似乎让我们看到艰苦的航海旅程。
一组大理石雕像尽管不再洁白细腻，我们仍然能从它们残存的形状中辨识出古希腊写实主义雕塑的高超技法与迷人魅力。考古学家在沉船中发现了古代卧榻的构件。卧榻是希腊罗马时代奢侈生活的见证，在很多浮雕艺术中频频出现，留存下来的实物却不多。沉船是古代航海者的悲哀，却是封存历史的时间胶囊。也许正因栖身于沉船，卧榻构件才得以为今人所见。设计师用有机玻璃还原了卧榻的全形，把不同构件固定在相应位置上，让观众知道这些构件曾经是卧榻的哪些组成部分。展览还展出了极为精美的玻璃器皿。在遥远的古代，玻璃工艺已经悄然兴盛，特别是在古希腊罗马文明中，玻璃器皿的艺术性特别高，品质也非常出色。当我们观赏这些晶莹剔透的玻璃器皿时，会为它们迷人的色泽与质感醉心不已，它们类玉似冰，让人心旷神怡。安提凯希拉沉船上的货物本来是要运抵意大利的，它们大概是罗马贵族们订购的生活必需品和奢侈品。在公元前一世纪，罗马共和国已经成了掌控地中海大部分地区的霸权国家，即将摇身变成罗马帝国。它与古老的希腊文明在碰撞中融合，通过类似的海上贸易从希腊文明区源源不断引进物质与文化，逐渐促成了罗马文明的繁盛。
📍VR全景观展地址
http://quanjing.artron.net/scene/b1A9DMDjYRapNu9TR2xbwXS9lIqgQd7d/aiqinyizhen/tour.html
02
《达·芬奇与他的艺术群体》
中央美术学院美术馆
《达·芬奇与他的艺术群体》展览从达·芬奇与达·芬奇画派（Leonardeschi）的师承关系这一独特角度入手，展出达·芬奇与他的艺术群体的绘画作品共计30件，其中主要包括直接受教于达·芬奇的学生和间接学习的追随者的画作，囊括达·芬奇画派的代表人物如贾姆皮特里诺（Giampietrino）、奥焦诺（Oggiono）、沙莱（Salai）和卢伊尼（Luini）等人的作品。正如意大利驻华大使谢国谊在展览致辞所说:“……达·芬奇在米兰逗留期间，整整一代文艺复兴艺术家都上他的‘画室’，拜他为师，这极大地丰富了那些年的油画产量。这批画家传承的遗产至关重要。这些作品至今仍大部分属世界各地的私人收藏，较少对公众和专家开放。针对以上情况，意中两国决定组织这场‘达·芬奇与他的艺术群体’的重要展览。”众所周知，达·芬奇在绘画领域取得的成就非凡，但在全世界范围内，公认的达·芬奇原作名画一共才17幅，这些作品珍藏在全世界的11个博物馆内，常年无法“移动”借展到其他地方。因此，从另外的角度切入，是很多专家举办纪念达·芬奇活动必须要研究的工作。对于许多中国观众而言，达·芬奇画派这一艺术群体相比于作为老师的达·芬奇的形象显得相对陌生。将当前西方艺术史学界关于达·芬奇研究的热点之一引入中国，以促进中国学界对西方文艺复兴艺术史研究的进一步深入和拓展，参与到这一课题正在发生的讨论中，是中央美术学院美术馆举办此次展览的初衷之一。
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03
《威尼斯与威尼斯画派》
中国国家博物馆
《威尼斯与威尼斯画派》展览旨在展示从十五世纪到十八世纪跨越四百年历史的威尼斯绘画发展脉络：明媚和谐的文艺复兴时期、雍容华丽的十六世纪、光彩强烈的巴洛克时期、轻盈柔美的洛可可时代、理性至上的启蒙运动时期，通过不同阶段艺术特色的呈现，使广大观众对威尼斯四百年的艺术历史有一个清晰的了解。十五世纪威尼斯文艺复兴时期的绘画艺术推崇古典和优雅的风格，强调对人与自然的体现，追求自然风光中的诗意，注重通过图像讲述故事，安德烈亚·曼特尼亚、阿尔维斯·维瓦里尼、真蒂莱·贝利尼、乔瓦尼·贝利尼、西玛·达·科内利亚诺、维托雷·卡尔帕乔是这一时期绘画艺术的代表大师。十六世纪威尼斯的绘画，从特有的诱人“色调”入手，善于用艺术语言揭示人物的心理活动，乔尔乔内、提香、萨沃尔多、洛伦佐·洛托是这种绘画风格的代表人物。之后，由于受到来自罗马“风格主义”的影响，绘画风格精致而富有力量，主要的代表画家有委罗内塞、丁托列托、巴萨诺。十七世纪巴洛克时期，十八世纪洛可可时代，一直到新古典主义，以塞巴斯蒂亚诺·里奇、罗萨尔巴·卡列拉、詹巴蒂斯塔·皮亚泽塔为代表的艺术家创作了一系列极具艺术魅力的绘画作品。此外，彼得罗·隆吉创作了怡人的叙事性绘画，詹巴蒂斯塔·提埃波罗可以把各种情景“搬上”画布，他也因此被称为“神笔画家”。
威尼斯的风景画也不容忽视。卡纳莱托运用精湛的科学知识，按透视和比例绘制的画作极具代表性。弗朗切斯科·瓜尔迪充满诗意和想象力的作品，不仅体现出启蒙运动的理性至上，也表达了面对巨变的世界，人们内心的惶恐与不安。虽然威尼斯共和国历经从兴盛到黄昏、从衰落到消亡，但威尼斯绘画艺术并没有随之衰落。相反，在不同的历史时期，都留下了许多不朽之作，使她成为世界艺术史上一个永恒的传奇。
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04
《罗马与巴洛克艺术展》
中国国家博物馆
《罗马与巴洛克艺术展》展由中国国家博物馆、意大利文化遗产活动和旅游部文化遗产开发司及罗马历史、艺术、民族人类遗产及博物馆联盟特署联合举办。这是执行中意两国政府达成的五年文化合作计划，继“佛罗伦萨与文艺复兴：名家名作”展之后的又一个精彩展览。巴洛克艺术是十七世纪欧洲广为流行的艺术风格。罗马作为巴洛克艺术的发源地再次成为十七世纪意大利和欧洲的艺术中心。聚集在罗马的众多意大利和欧洲艺术名家以其高超的艺术造诣和丰富的创造力，为这座永恒之城留下了大量弥足珍贵的艺术瑰宝。
为了展现十七世纪罗马的整体艺术风貌特别是罗马巴洛克艺术的独特魅力，中意双方历时一年多精心策划了“罗马与巴洛克艺术”这一主题展览。此次展览汇集了50件（套）十七世纪意大利的绘画、雕塑和工艺品。全部展品精选自罗马威尼斯宫国立博物馆、科西尼宫国立古代艺术馆、巴贝里尼宫国立古代艺术馆、基吉宫巴洛克博物馆、斯巴达美术馆等10余家意大利著名博物馆、艺术馆和相关收藏机构，包括卡拉齐、卡拉瓦乔、贝尼尼、科尔托纳、阿尔加迪、普桑、安德烈亚·萨基、弗朗西斯科·科扎、乔万·巴蒂斯塔·高利、贾钦托·布兰迪等20余名活跃在十七世纪罗马艺术舞台上的艺术大师和著名艺术家的艺术精品，涵盖了以巴洛克为主体的多种艺术风格。此次展览以十七世纪罗马艺术史的发展脉络为主线，划分为走向巴洛克及其自然主义的表现、巴洛克雕塑和巴洛克绘画三个部分，重点介绍和展示罗马巴洛克艺术，同时兼顾同时期的其他艺术风格，为广大观众呈现一幅十七世纪的罗马艺术全景画卷。
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05
《列支敦士登王室珍藏展--鲁本斯、凡·戴克与佛兰德斯画派》
中国国家博物馆
佛兰德斯绘画是西方艺术史上巴洛克时期重要的艺术流派，彼得 ·保罗 ·鲁本斯与安东尼 ·凡 ·戴克是这一流派中最具代表性的大师，他们杰出的艺术精品影响深远，是西方艺术史上的重要篇章。此次展览从列支敦士登王室多年的珍藏中精选了100件油画、版画与挂毯，涉及肖像、风景、静物等种类，主题涵盖宗教、神话和历史，完整地展现了十六、十七世纪尼德兰南部地区绘画发展的历程，其中包括鲁本斯的《战神马尔斯与瑞亚· 西尔维亚》《克拉拉·赛琳娜·鲁本斯的肖像》，凡 ·戴克的《热那亚贵族肖像》、《玛利亚·德 ·塔西斯的肖像》，以及昆丁·马西斯、扬· 德·考克、勃鲁盖尔家族成员、雅各布·约丹斯等人的画作。这是佛兰德斯画派大师作品在中国的首次也是最大规模的展出，使中国观众不出国门就欣赏到高规格、高质量的经典名作，近距离地感知巴洛克艺术的恢宏气势和浪漫情怀。
📍VR全景观展地址
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06
《伦勃朗、维米尔、哈尔斯:莱顿收藏荷兰黄金时代名作展》
龙美术馆
龙美术馆联合莱顿收藏开启荷兰黄金时代名作展。莱顿收藏是目前全球拥有十七世纪荷兰艺术画作数量最多、最重要的私人收藏之一。此次展览是荷兰黄金时代画作在中国有史以来最大规模的展示，其中包括12幅伦勃朗·凡·莱因画作、1幅约翰内斯·维米尔画作、2幅弗朗斯·哈尔斯肖像画，以及来自同时代其他艺术家的优秀作品共计78幅。伦勃朗、维米尔和哈尔斯，都是十七世纪荷兰黄金时代最伟大的绘画大师，对艺术史发展也起到了至关重要的推动作用。伦勃朗通过光影刻画并传递人类情感的技巧无人能及，本次展览将展出伦勃朗的标志性杰作《智慧女神密涅瓦在书房》（该系列其他作品分别收藏于俄国圣彼得堡冬宫博物馆、西班牙马德里普拉多博物馆和美国大都会艺术博物馆），极富故事性的《穿金边斗篷的少女》，以及近期才被世人发现的、目前已知最早有伦勃朗签名的画作《失去意识的病人（寓意嗅觉）》等。
维米尔的画作极为稀有且珍贵，大多描绘十七世纪荷兰风俗民情小景，展现普通人的日常生活，画面恬静而温情。其成熟风格画作现存仅34幅，本次展览即将展出的《坐在维金纳琴旁的少女》是目前唯一一幅私人藏品，它曾与《织花边的女工》（目前收藏于法国巴黎卢浮宫博物馆）创作于同一匹帆布上。弗朗斯·哈尔斯以肖像画闻名于世，塑造了从工人、牧师到政府官员等各社会阶层一系列个性鲜明的人物，尤其擅长描绘人物面部真实生动的瞬间神态。本次在龙美术馆即将展出的是两幅哈尔斯描绘的神职人员肖像画。
本次展览的另一大亮点，是4幅首次在中国与观众见面的作品，分别为伦勃朗的素描《休息中的幼狮》、列奥纳多·达·芬奇的素描《熊的头部》、极具影响力的巴洛克艺术大师彼得·保罗·鲁本斯的油画《作为赫丘力和角斗士的康茂德皇帝》及《尤里乌斯·凯撒》。本次展览，莱顿收藏还将展出以下作品：伦勃朗在莱顿的同画室好友扬·列文斯的4幅佳作；《金翅雀》的创作者、伦勃朗的学生卡雷尔·法布里蒂乌斯目前仅存的13幅画作之一《夏甲与天使》，这也是唯一一件由私人收藏的作品；伦勃朗的首位、也是最具影响力的学生格里特·德奥的9幅重量级画作；与伦勃朗同时代最耀眼的艺术家之一扬·斯丁的6幅经典杰作。
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http://quanjing.artron.net/scene/kdmyqA9gH3B4kBH2AdzlOGxlGi6bdr9N/lunbolang/tour.html
07
《伦勃朗与他的时代》
中国国家博物馆
《伦勃朗与他的时代》本次展出的70余件展品分为肖像画、历史画及风俗画三大主题，其中包含欧洲十七世纪最伟大画家之一的伦勃朗的11幅画作，以及天才艺术家维米尔首幅在北京展示的作品《坐在维金纳琴旁的年轻女子》。展览还将着重展出来自“精细绘画”（fijnschilders）的创作，包括伦勃朗的首位学生格里特·德奥以及他的两位杰出弟子弗兰斯·范·米里斯和戈特弗里德·沙尔肯等人的多幅艺术佳作。展览重现了十七世纪荷兰黄金时代的艺术盛景，实为中国公众欣赏十七世纪荷兰艺术的绝佳机会。
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http://www.chnmuseum.cn/portals/0/web/vr/20170617rembrandt/
08
《学院与沙龙》
中国国家博物馆
19世纪法国艺术家们受到欧洲启蒙思想的感召，紧随时代的步伐，反抗服务于皇室、注重奢华的洛可可风格，而用回望古典艺术的方式从精神层面来矫正浮华的社会风尚。当时的学院与沙龙为19世纪的新古典主义、浪漫主义、现实主义等美术流派提供了发展的土壤与创新的契机，使得艺术在时代改革和社会现代化的进程中做出了贡献，不仅促成了法国艺术的全面繁荣，也使法国成为19世纪世界艺术的中心。此展览将集中呈现从“法国大革命”到第一次世界大战期间的法国艺术以及以巴黎为中心的法国社会风貌，参展的103件学院派艺术精品均来源于世界闻名的巴黎国立高等美术学院和法国国家造型艺术中心。展品包括学院派代表艺术家多米尼克·安格尔、威廉-阿道夫·布格罗、帕斯卡·达仰·布弗莱等人的油画精品，以及创作了巴黎凯旋门浮雕《马赛曲》的著名雕塑家弗朗索瓦·吕德的雕塑作品。特别是安格尔的以《朱庇特与忒提斯》为代表的三幅油画精品，尤为值得关注。观众将通过展览感受艺术在法国社会改革进程中迸发出的创造力和生机。
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《“从巴比松到后现代”西方现代美术品鉴小展》
高更画廊
本次展览是高更画廊的典藏作品系列展之一，其中精心挑选了近20位艺术家的25件艺术品，集中呈现西方19世纪至今发展而来的重要流派的阶段性作品，从巴比松画派、印象派走到了后现代艺术，虽然无法尽观百年西方美术的衍变更迭，但仍希冀以一个小小的艺术窗口，以一个特定的观看视角，呈现西方现代美术发展之一端。
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10
《永远的思想者——罗丹雕塑回顾展》
中国国家博物馆
奥古斯特·罗丹是享誉世界并在中国有着广泛影响的19世纪雕塑巨匠，其作品代表着法国艺术的最高水准。此次罗丹雕塑回顾展将通过“最初的岁月”、“雕塑家的诞生”、“渐臻成熟”、“走进神秘的罗丹工作室”四个主题，139件罗丹博物馆藏品来到中国国家博物馆，全方位展示和回顾这位最伟大的雕塑家的艺术人生，以及他从最初并不被认可而最终成为一代大师的心路历程。本次展览不仅让《思想者》重返京城，还囊括了《青铜时代》、《加莱义民》、《地狱之门》、《巴尔扎克》等几乎全部罗丹最经典的作品。展品中题材丰富且材质各异，有很多甚至是罗丹的石膏手稿，其意义对于让众多艺术爱好者和广大观众一窥这位雕塑大师的创作过程显得尤为珍贵。“生命之泉，是由心中飞涌的；生命之花，是自内而外开放的。同样，在美丽的雕刻中，常潜伏着强烈的内心的颤动。这是古代艺术的秘密”。这是罗丹的名言。罗丹本人对生活的热爱及对生命意义的理解均由他的雕塑作品完美地诠释出来。在广泛吸收历代大师们的创作手法之后，他塑造出的每个人物不仅延续了古典主义雕塑中一贯的写实风格，并将其独有的生命力、力量感和时代气息通过其作品充分地展示出来，你甚至能感受到作品中人物所传递出的深邃细腻的鲜活情感。罗丹所秉持的美学思想，将通过本次罗丹雕塑回顾展集中呈现给中国广大公众。
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《疯狂的达利》
外滩十八号
《疯狂的达利》展览将以规模大、品质高、种类齐全的超强豪华阵容登场，以青铜雕塑为主轴，涵盖绘画、黄金饰品、琉璃艺术及经典家具等。所有展品来自拥有达利藏品数量最多、门类最全、品质最高、来源最纯正的瑞士施特安顿基金会（The Stratton Foundation）。基金会主席Beniamino Levi 先生， 与达利私交甚笃，是目前唯一健在的达利经纪人，其藏品拥有世界公认权威鉴定证书。在过去的25年里，施特安顿基金会在全球举办过80次达利大展，近年来曾在新加坡与中国台北成功展出。本次展览作品种类齐全，有难得一见的大型雕塑、巨幅油画、经典设计和珠宝家具等，其中瑰宝作品更是频现真容，如早已蜚声海内外的雕塑《爱丽丝梦游仙境》、《抽屉人》、《时间的轮廓》以及誉满天下的经典设计《红唇沙发》等，更有罕见的高5米宽11米的巨幅油画《意乱神迷》压轴亮相。天协文化历经两年之久，精心筹划了本次展览，届时不但会带给上海观众一次多维度的视觉冲击，而且会将上海的艺术展览推向新的高度。为举办本次展览，选址外滩十八号这栋上海滩的传奇建筑展示达利的超现实主义异度空间，堪称历史与文化、建筑与艺术的完美结合。
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《“见者的书信”约瑟夫·博伊斯×白南准》
上海昊美术馆
《“见者的书信”约瑟夫·博伊斯×白南准》展览将同时呈现德国艺术家约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys, 1921-1986）与美籍韩裔艺术家白南准（Nam June Paik, 1932-2006）艺术生涯中的重要代表作品，并深入探讨两位先锋艺术家在20世纪艺术浪潮中的合作与密切关系。这也是美术馆首次举办两位在20世纪艺术史中留下深远影响的艺术家美术馆级别的合展。约瑟夫·博伊斯是20世纪下半叶最激进、最具影响力的行为艺术家、政治活动家，也是国际艺术领域最富争议的人物之一，他对艺术、政治以及社会构建具有远奥的想象力，对后继艺术家产生了深远的影响；白南准是全球最重要的视觉艺术家之一，亦是新媒体录像艺术与影像装置艺术的先驱和奠基者，他的创作涵盖了艺术、音乐、媒介、科技以及流行文化等领域，对21世纪新媒体艺术的繁荣具有举足轻重的作用。
展览名“见者的书信（Lettres du Voyant）”源自于19世纪法国著名诗人、象征主义诗歌代表人物阿尔蒂尔·兰波（Arthur Rimbaud）的著作“Lettres du Voyant”（通常被译作“预见者通信”或者“通灵者书信”，基于展览的内容与风格，在此被译作“见者的书信”）。在兰波的诗歌中，“见者”是指着眼现在又能预知未来的能士，他们可以看见别人看不见的未知世界，也培育了比别人更为丰富的灵魂。约瑟夫·博伊斯代表着西方当代艺术最前卫、最具探索性的艺术取向，白南准则是东方文化背景的艺术家在当代艺术领域的杰出代表。他们的作品自足于当时的语境与个人的经历，却也同时达到了未知潮流的引领与超前预言的探索。“书信”则象征着两位艺术家作品中千丝万缕的联系和在“激浪派”艺术浪潮中积攒的深情厚谊。
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《"重塑"吕佩尔茨雕塑作品展》
山东美术馆
马库斯·吕佩尔茨，是德国当代著名的画家、雕塑家、作家、艺术教育家和爵士乐钢琴家。他是一位勤奋、善思、高产的艺术家，他十分关注艺术作品本体语言的表达和未来的各种可能性，以及艺术家自我意识的表达。与巴塞利兹、伊门多夫、彭克、安塞姆·基弗等一同被划归到德国新表现主义的阵营之中。吕佩尔茨以及他所代表的德国新表现主义绘画不仅仅是作为独特的欧洲艺术表现方式，打破了曾一度影响欧洲的波普艺术和极简主义的统治局面，因其绘画艺术的独特创造力引发了艺术理论和艺术史界关于绘画回归问题的讨论。20世纪80年代末到90年代初德国新表现主义被介绍到中国，对中国当代艺术的发展产生了重要影响。新表现主义在画面中呈现出的冲击力、激情甚至是一种反抗的、纠结的、矛盾的情绪深深地影响着中国艺术家，中国艺术家或直接的学习其画法和风格，或从其表现形式或方法上借力。
吕佩尔茨的艺术从20世纪60年代开始，在80年代获得了极大的声誉。他的艺术被赋予了多重意义的维度，特别是围绕关于绘画性的研究，从绘画形式语言和绘画题材入手，发现新的具有个人化与说服力的表达方式。他的雕塑雕凿粗放，有着狂烈的色彩，透过凹凸起伏的雕刻形成鲜明而强烈的对比，雕凿出人物的性格和灵魂。他的作品将形式与身体感觉的体验还原到了最为本能的层面上，实现了精神性力量的当代展示。
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《“静止中移动”安东尼·葛姆雷个展》
龙美术馆西岸馆
《安东尼·葛姆雷：静止中移动》是安东尼·葛姆雷在中国的首个重要展览。此次展览将展现并传达艺术家在过去四十年间思考的核心主题：身体即空间，空间即物体。展览的核心作品为《临界物质II》（1995），是一件由六十个真人大小的铸铁人体组成的装置作品。其中的十二个人形躯体被安置在龙美术馆一楼，排列成直线型。从胎儿的姿态到耽于幻想的眺望的姿态，不免让人联想到“人类的进化”。在其旁边，相同的躯体混乱地倒成一堆，同时远处的躯体从屋顶悬挂下来。就如同艺术家本人的陈述：“这里，被遗弃的人造铁，每个都有人体十倍的重量，在反映了人类发展进步的社会黑暗面的同时，唤起观众对于上世纪各种矛盾冲突的记忆。”《呼吸的房间IV [RIO]》（2012）和《走廊II》（2017）这两件作品探索了不同形式的“合作”与“参与”。《呼吸的房间IV [RIO]》由若干可以发光的“空间框架”所组成，构建了一个三维立体的环境，观众被邀请与这雕塑化的空间相互动，甚至成为它的一部分。光和时间是这件作品的主要组成部分，十分钟的黑暗被四十秒的使人目眩的光所切断。此作品就像一幅三维曼陀罗，观众同时获得了心灵上安抚与对抗的双重体验，而沉思则在疑惑中被对比。《走廊II》是一个15.5米长的通道，其外观模拟了站立着的人体形状。它暗示了作品与人体的内部相关，并提供了一场走进黑暗与未知的旅行。这两件作品都是葛姆雷对于想要创造一个仪器的尝试，通过这个仪器观众的经验得到催化和转化。此次展出的四件悬浮雕塑作品（2008-2012）看上去就像悬浮于空间中的绘画，每件作品的中心都有类似素描般的身体空间显露着，在这些非物质化的作品中，躯体是自由的、失重的并且没有内心的。
绘画一直是艺术家创作的核心部分，本次展览涵盖了艺术家从1981至2016年间所创作的大量纸上作品。这些作品展示了手、躯体以及艺术家潜意识直觉中的亲密动作，画面呈现出其独有的张力与强度。通过线条、矿物颜料以及其他媒介的使用，这些绘画作品成为一种特殊的手段，有助于呈现“在制作中观看”这一过程。
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《“皮相之下”马克・奎恩个展》
中央美术学院美术馆
马克·奎恩（Marc Quinn）作为同时代中最具代表性的艺术家之一，奎恩的作品不断反复探索了艺术与科学、人体、情感以及对美的认知的主题。“马克·奎恩：皮相之下”是艺术家首个在中国的美术馆级的展览，此次将带来奎恩跨越三十年艺术生涯中的多个系列作品，研究他长期关注的身份认同的主题。《我们与星星的化学构造并无二致》（We Share Our Chemistry with the Stars）（2009）一系列的巨型作品将人眼的虹膜扩大到抽象的程度，虹膜的个体性和人眼的象征意义使每个作品成为个体身份的微观图。奎恩的《迷宫》（Labyrinth）系列（2011年至今）中放大的指纹同样模糊了抽象和比喻形式之间的界限，其中个体身份被简化为一种图案。这些作品反映了奎因对肖像创作的持续热情，这些肖像不仅仅是一个人的形象，也是他们身份的实际的视觉索引。
人们常说，我们的命运早就已经写在手上。艺术家贯彻这种思路于1991年创造了他首个《面包手》（Bread Hands）雕塑系列，他将自己的手放在面包上重复勾画手部的外型与掌纹，创造出一个能够表达他身体特征的图案。即使奎因根据同一只手制成所有这一系列作品，但每一件《面包手》都是独一无二的，呈现了我们命运的变幻莫测。在《皮相之下》的展览中，艺术家再次引用这个概念，将创造一个兼具协作性和参与性的艺术装置，邀请观者在美术馆的窑内制作自己的面包手，血肉之躯都一样殊途同归。马克·奎恩受到一些著名的古典雕塑的启发，这些雕塑的残肢断臂通常都散落在世界各地博物馆中，《另一个吻》（Another Kiss）（2006年）正是来源于艺术家的系列作品《完整的大理石》（The Complete Marbles）。这些作品探讨了社会对美的观念，采用古希腊理想主义的语言来展现那些因意外或天生残疾而失去肢体的人身体的“不完整”。他们所强调的事实是，虽然身体的残缺的概念在艺术史语境中被接受和歌颂，但它在现实生活中却往往并非如此。
奎恩渴望在作品中表现古典艺术的语言，并展示出它是如何与当代文化息息相关的。他的系列作品《关于爱的一切》（All About Love）（2016-2017年）正源于此，再次以破碎的身体雕塑来追问由爱情滋生出的种种情感。每件作品都塑造了一对恋人相拥在一起的不同的姿势，他们没头没面分不清身份，但观者会被他们拥抱和凝固的姿态所传达的情感而深深吸引。古典主义和美的概念也适用于奎恩的《身体异变》（Body Alteration）的系列作品，其中将在《皮相之下》展示的包括《切尔西·查姆斯》（Chelsea Charms）（2010年）、《僵尸男孩》（Zombie Boy）（2011）和《治愈之美》（The Beauty of Healing）（2014年）。这些雕塑反映了互联网时代的生活，描绘了一系列通过重大整形来改变他们的生物特性及身体形态的人物形象。这些作品讨论了如何利用某人的身体作为一个艺术媒介，外貌的转变可以改变一个人的身份；反之，皮相之下的存在也会被毫无保留地揭露出来。
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《“无相万象”奥拉维尔-埃利亚松个展》
龙美术馆西岸馆
“埃利亚松是当今极具代表性和影响力的当代艺术家，他作品中的丰富性和巨大的张力令我非常欣赏和喜爱。当龙美术馆(西岸馆)的主体建筑还在建造的时候，他就花了很长的时间参观当时还是一片工地的美术馆。今天的这个展览就是在那时候萌芽的。他是一个有着科学家脑袋的艺术家，并且他观照自然，又极其关注日常感受，这使他有一种能让空间充满能量的魔力。埃利亚松的作品并非一个单一的平面或立体，而是一种整体的感受，他的作品在不断邀请观众进入他的艺术世界，以此来唤醒观众内在的感官。因此，我希望通过这次与埃利亚松的合作，通过邀请他的作品进入龙美术馆的空间，来唤醒这个空间的另一种全新生命，也让更多的中国观众能够在当地感受一个当代国际大师的艺术魅力。”
奥拉维尔·埃利亚松则说，“我想通过艺术作品来放大龙美术馆(西岸馆)展厅空间的洞穴感。这些艺术作品将邀请观众向内观看，探讨其感官在其中将如何作用，为人们在日常生活中梦想乌托邦提供可能。真实是基于我们自身的——是我们所见、所闻、所思、所感和所做的一切。同时也是事物、艺术、空间和城市作用于我们的结果。艺术可以改变我们对世界的认知，有时颠倒乾坤，有时别有洞天——我希望为参观者带来一些这样的启示和疑问。在我看来，质疑‘这是什么’是一个开放的契机，它将为我们习以为常的一切提供协商与改变的可能。”
本次展览将邀请观众深入空间探索，鼓励他们积极参与互动，展出的各系列作品也以此为开启实验性研究提供了方法。奥拉维尔·埃利亚松在作品的选择和陈列上精心呼应了大舍建筑设计事务所(Atelier Deshaus)为龙美术馆设计的充满拱形元素且朴素的清水混凝土建筑。美术馆的建筑巧妙地结合了矩形展厅与弧形天顶，埃利亚松则因此带来一系列包含基础几何原理结构的作品，包括圆形、球体、立方、以及棱锥。伞拱结构为美术馆建筑创造出许多离散的点，埃利亚松也通过精确排布的作品群组将巨大的建筑内部分割为独立的空间。展出的大量作品都蕴含石、冰、水、或光等基本媒材。摄影与绘画系列作品则反映出埃利亚松研究色彩感知现象及探索世界的方法。光学器件、镜头、镜子和玻璃球加强了视觉感知的活力与主观性，为观众思考其在构建所见之物的参与性提供了契机。展览作品将引导观者去关注他们所栖息的空间和对其的感知，强调观者在探索及共创周遭环境和世界过程中的积极作用。
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《“沉默的邂逅”布鲁诺·瓦尔波特个展》
中央美术学院美术馆
布鲁诺·瓦尔波特（Bruno Walpoth）年出生于意大利北部的一个小山村，被称为本世纪最伟大木雕艺术家，作品包括雕塑、绘画等，曾为雕塑大师Vincenzo Mussner的学徒，师从汉斯·蓝德纳，1985-2008年于塞尔威亚加迪纳职业学院任雕塑系老师，2010年开始专注于木雕作品。布鲁诺偏爱以人物为创作中心，大多以年级较轻的模特进行雕刻，他们的形象以1:1进行复现，但是布鲁诺觉得雕刻的不仅仅只是模特，还有自己的内在精神与灵魂的注入。其风格简练干净，质感细腻，尤其在人物表情刻画上非常惊人，他雕刻的那些少男少女，面容青春，肢体纤瘦，双眼低垂或斜视远方，细腻到每一寸木质的“肌肤”都仿佛有着真实的生命气息，令观者感受到一种莫名的感动，简单的几笔着色，更是将忧郁寂静的气氛渲染到了极致，正是沉默的情感。
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《安尼施·卡普尔中国首次大型展览》
中央美术学院美术馆
作为当代国际最具影响力的艺术家之一，安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)将受邀于2019年秋在北京中央美术学院美术馆（CAFA Art Museum)和北京太庙艺术馆(The Imperial Ancestral Temple Art Museum)同时举办大型展览。这也是这位享有极高声誉的英国艺术家在中国的首次大型个展。安尼施·卡普尔个展中的系列作品是首次在中国展出。卡普尔是一位久负盛名的全球当代艺术大家，对于中国观众而言，卡普尔先生的艺术除了强烈的现场感染力之外，还传递出一种极具亲和力的“东方性”。印度与中国两个古老文明在历史交流中共同沉淀与分享的思想价值，充分体现在卡普尔先生的艺术观念与实践中。正如中国古语所言“他山之石，可以攻玉”，相信卡普尔先生此次个展将会对我们思考如何将中国丰富的传统思想资源转换为一种现代感的当代形式，提供一个有意义的参照。紧邻世界最大的古代宫殿建筑群“故宫”的太庙，曾作为明清皇帝祭祖所用。现为公共展示场所的太庙艺术馆，每年吸引近千万游客。太庙艺术馆由体量巨大的建筑和封闭式庭院构成，气势恢宏，庄严肃穆。此次安尼施·卡普尔受邀来华展览，将以其享誉国际的开创性大型创作，与中央美院美术馆的当代空间，以及太庙艺术馆宏伟的历史建筑，形成前所未有的对话。
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整理/林路
（图文资料来自于网络）
