为什么有些时尚大片超越了她们的商业角色，成为了艺术品，而其他的却没有？

从某种程度上来说，答案在于这些照片反映了两个世界：画面中的完美、青春、美丽、至高无上的奢侈和画面之外现实世界的残酷。最好的时尚摄影会让我们想起其他的艺术品，或者开拓这个媒介的局限，重新定义时尚摄影应该做什么，或者应该成为什么。从1911年爱德华·史泰钦创作出第一张艺术时尚照片开始，到2011年以数码技术为行业模式结束，展览《风格的偶像——一个世纪的时尚摄影》探索了现代时尚摄影丰富多彩的历史。

为杂志和广告的消费而生的时尚摄影就如同时尚本身一样，是一种被动的风格。 为了吸引我们的注意力，在面对社会、政治和经济的变化，时尚摄影总是在不断改变她自身的形态。跟不上形式的摄影师总是会被这个圈子不断淘汰，这也保证了在这个领域里只有最具创造力的摄影师才能独领风骚。本次展览探讨了那些在时尚行业浸润许久的职业摄影师是如何不断形成时尚圈的风格和观念。展览中展出超过一百六十张照片，还有一系列的时装、插图、杂志封面、视频和广告。这些展品除了来自保罗盖蒂博物馆的永久收藏、还有从公共博物馆和私人那里借展所得。

1919 一个新风格

1911年，法国出版商吕西安·沃格尔(Lucien Vogel)给摄影师爱德华·史泰钦(Edward Steichen)提出了一个挑战，要求他创作出一张艺术时尚照片，这被认为是时尚摄影史上的一个转折点。尽管在19世纪的最后几十年里，已经出现了为时尚服饰拍摄的照片，但是那些图像由于过于朴实而无法吸引公众。在法国出版的杂志《艺术与装饰》（Arts et décoration）中，爱德华·史泰钦使用柔焦拍摄，这是现代时尚摄影到来的一个关键时刻。 1914年，杂志出版商康德·纳斯特（Condé Nast）聘请阿道夫·德·梅耶尔男爵(Baron Adolf de Meyer)为《Vogue》杂志的首位全职时尚摄影师。梅耶尔加入《Vogue》后杂志上出现了各种衣着光鲜的社交名流和模特的照片，从而证明了摄影完全可以媲美过去的手绘插图，但这也说明了两者之间曾经存在着联系。

1920-1929 画意到自然主义

1922年，德·梅耶尔男爵从纽约移居巴黎为时尚芭莎集团工作后，爱德华·史泰钦成为康泰纳仕出版集团的首席摄影师。 他为《名利场》(Vanity Fair)和《Vogue》杂志提供了社会肖像和时尚大片，从过去流行的柔焦照片转向直白大胆、视觉上更引人注目的风格。他对自己的事业曾有这样一番描述：“每隔十年，人就应该鞭策自己，好使自我进入一个全新的境界！” 他对模特的选择是他成功的关键因素，他最喜欢的模特包括李·米勒(Lee Miller)和马里恩·莫尔豪斯(Marion Morehouse)，对于这些模特他都是采用自然主义的手法去表现，使她们的个性大放异彩。在这十年中的后半段，时装设计师们提高了裙摆，缩短了腰围，因为新一代年轻女性通过剪短发、跳爵士，当众喝酒抽烟来蔑视传统。所以这种苗条的、男孩子气的形象在她们当中风靡一时。

1930—1939 大萧条

1929年随着华尔街股市大崩盘，演变的社会通货紧缩和产量下降，银行倒闭，失业率飙升，全世界都受到了经济震荡。尽管如此，《时尚芭莎》和《Vogue》等杂志仍然坚持强调只有顶级富豪才能获得的奢侈品所带来的魅力。对普通观众来说，这种光鲜亮丽的杂志内刊也能作为暂时逃避严酷现实的方式。尽管对顶级时尚杂志而言，社会经济基础受到了动摇，但是20世纪30年代的时尚摄影师数目却有显著增加，他们的艺术风格也更加多样化。大萧条之后，时尚界不再青睐那些在咆哮的二十年代中占据主导地位的苗条的、男孩子气的模特形象，转向了那种更女性化、更淑女的风格。

1940—1949 第二次世界大战及其余波

战时的欧洲，由于缺乏各种资源（包括水、电、化学物质和胶片），时尚摄影师们都在颇为艰苦的条件下工作。这导致他们大大减少了在工作室里拍摄的几率，因为在工作室里，就必须依赖灯光和精致的布景。当时的巴黎遭到纳粹占领、伦敦遭到纳粹轰炸，这些欧洲的城市因为战争变得封闭，此时的纽约一崛而起从而在时尚界扮演了更重要的角色。 战时严格的配给制度使得服装设计师们需要用更少的面料做更简洁的设计。时尚摄影师们也变得克制，他们更偏好简洁的工作室背景和朴实无华的户外布置。为了保持对当前重大问题的关注，美国和英国的时尚杂志都鼓励他们的摄影师和艺术总监们赞美民族主义价值观，这个运动现在被称为“爱国时尚”（patriotic chic）。战争结束后，法国著名的女装设计师克里斯汀·迪奥(Christian Dior)率先将巴黎带回到时尚界的中心。

1950—1959 时尚摄影的黄金年代

在第二次世界大战后，美国摄影师理查德·阿维登(Richard Avedon)和欧文·佩恩(Irving Penn)从巴黎带来了两种同样引人注目的最新潮流：阿维登的图象活力充沛， 佩恩的作品则沉静优雅。前者与《时尚芭莎》的艺术总监 阿列克谢·布罗多维奇(Alexey Brodovitch)、后者与《Vogue》的 亚历山大·利伯曼(Alexander Liberman)一道，都分别将时装摄影与大胆的平面设计结合起来，为杂志设计做出了开创性的贡献。此时，彩色摄影技术的进步也加快商用步伐，同时降低了成本。 虽然克里斯汀·迪奥高度结构化的服饰廓形在过去十年里一直占据主导地位，但是1957年，休伯特·德·纪梵希(Hubert de Givenchy)首次设计亮相的“布袋装”(sack dress)则显示出了一种更宽松、更舒适的风格。

1960-1969 走向街头

在20世纪50年代末和60年代初，摄影师威廉·克莱因（William Klein）永远的改变了时尚摄影。他无视那些久经考验的规则，拿着一个装有35毫米胶片的手持相机，在城市景观中拍摄模特，创造出一种粗犷的街头风格。这十年的前半段，时尚界仍显得有些保守和克制，但是到后面局面完全被解构了成一系列不同的风格——比如嬉皮、摩登、迷幻、太空时代——统统以明亮和大胆设计为特色。1965年，《Vogue》主编戴安娜·弗里兰（Diana Vreeland）将该年定义为“青年震荡”（Youth-quake）之年。这是一个从伦敦街头发起的以年轻人为导向的时尚运动，比如设计师玛莉官 (Mary Quant)让超短迷你裙风靡世界，造型师维达·沙宣（Vidal Sassoon）将五点剪式（Five-PointCut）发型发扬光大。大批英国青年反抗父母辈的传统价值观，推动了当时时尚界和音乐界的改革。

1970—1979 反叛到魅惑

20世纪70年代，越来越多的妇女成为劳动力，他们受到妇女解放运动的鼓励或出于经济上的需要而进入就业市场。侯斯顿（Halston）、 安妮·克莱因（Anne Klein）、圣罗兰（Yves Saint-Laurent ）的成衣系列吸引了那些养家糊口的女性。像阿瑟·埃尔高特（Arthur Elgort）这样的时尚摄影师，努力展示女性的日常穿搭。与此同时，人们开始注重健康并崇尚自然美，这种风格的模特也越来越抢手。这十年还见证了盖伊·伯丁（Guy Bourdin）, 赫尔穆特·牛顿（Helmut Newton）还有克里斯·冯·旺恩海姆（Chris von Wangenheim）在时尚摄影中加入了暴力野性和色欲纵横的元素，这种形象利用了长期以来父权控制所带来的焦虑。文化态度取代了服饰本身成为了塑造形象的主导力量。

1980—1989 力量与完美

随着美国、英国和日本经济在80年代的蓬勃发展，昂贵的服装和配饰成为了炫富的一部分。同时，时装设计师开始反思性别概念。他们重新构想，将健美的女性身体当做一张白纸，在上面表达独立和力量的交融。 另一方面，摄影师赫伯·里茨（Herb Ritts）和布鲁斯·韦伯（Bruce Weber）在很大程度上在时尚广告中强调了男性的性别力量。这十年时尚圈的发展还见证了意大利设计师乔治·阿玛尼（Giorgio Armani）、 吉安弗兰科·费里尼（Gianfranco Ferrè）、和詹尼·范思哲（Gianni Versace）以及日本设计师川久保玲、三宅一生和山本耀司的崛起。不论是重金属还是嘻哈，在这十年中，时尚亚文化的种类和影响力都在不断增长。

1990—1999 新女孩

20世纪90年代初，英国摄影师柯伦戴尔（Corinne Day）推广了一种新的时尚形象，这种形象的特点就是不修边幅的模特身处在简陋的环境中。他使用强光拍摄照片，捕捉到一种逼真的现实主义，这与以往的高度理想化的时尚形象全然区别开来。这一时期，源起自西雅图的垃圾摇滚（grunge）吸引了时尚界的注意，这激发了摄影师们探索更暗黑的主题，催生了“海洛因时尚”的潮流，出现像凯特·摩斯（生于1974年）这种病态美的超模。20世纪90年代中期互联网的热潮引发小型尖端时尚杂志数量的激增，这些时尚杂志推动了街头潮流，引发数字革命的开始。

2000—2011 真实与幻想

在新的千禧年期间，蒂姆·沃克（Tim Walker）的作品受到故事书的影响，他的作品充满了灵感和幻想，这与20世纪90年代逼真的现实主义格格不入。摄影师拍档伊内兹&维努德（Inez & Vinoodh）和索尔维（Sølve Sundsbø）等艺术家用数码相机、ps软件不仅从美学上、更是从技术和概念上刷
新了我们对时尚摄影的观念。互联网浪潮下，博客也在快速增长，街拍大师斯科特·斯库曼（Scott Schuman）在2005年推出了时尚博客《街拍时尚》（The Sartorialist），更不用说现在手机上可以下载的Instagram和Snapchat等火爆全球的APP，提供了海量的图像浏览方式，为那些有抱负的新生代摄影师另辟蹊径，让他们开始撼动以印刷为基础的时尚媒体的长期称霸。

在谈到为什么举办这次展览时，盖蒂博物馆摄影部助理策展人保罗·马蒂诺（Paul Martineau）提到：虽然曾经有过许多为某个摄影师举办的展览或出版的图录，但是很少有展览能全面的反映时尚摄影的完整历史。1991年马丁·哈里森（Martin Harrison）出版过《1945年以来的时尚摄影》，也只涵盖了这部历史的后半部分，所以本次展览是首次对百年时尚摄影史的全面回顾。展览突出展示了一个世纪以来时尚潮流当中标志性的时刻和人物。除了照片，经典复古时装外，还有当时的广告、插图、剪报都会出现在展览中，后面提到的这些印刷藏品将更生动地展现时尚摄影是如何透过杂志渗透到当时的日常生活。

编译：张雅婷

附：文章整合保罗盖蒂博物馆博物馆相关报道。图片版权均在图注中说明。 

展览信息

标题：风格的偶像：一个世纪的时尚摄影
Icons of Style: A Century of Fashion Photography
时间：2018年6月26日—10月21日
地点：保罗盖蒂博物馆博物馆 盖蒂中心