新京报：欧美的现当代时尚格局可以说是缘起于设计师品牌的风起云涌，中国的时尚刚起步不久，是否也会经历相同的步骤？

吕越：这确实是一个必经步骤，因为衡量一个国家的时装设计品牌的水平高低，取决于它的艺术水准，“艺术性”是一个行业水平高低的标准，所以设计师的创意设计是很重要的。只有设计师成长、成熟了，较好的时尚格局才能得以形成并具备一定的高度。没有设计师的品牌不是成熟的品牌，并且无法做出文化贡献，“文化贡献”是设计师品牌才能做到的，因为它源自设计师这个人、他必须是有灵魂，有思想的人，这是核心所在。

新京报：在您看来，山本耀司、川久保玲等日本服装设计师为什么能进入世界时尚设计话语的中心？中国的设计力量正在崛起，是否有值得借鉴之处？

吕越：日本文化是对世界有新贡献的文化，经历了学习中国的唐文化、明治维新全盘西化两次大的变革之后，日本找到了自己的文化，于是今天才能被世界看到。被看到的不仅仅是山本耀司、川久保玲这些服装设计师，还有动漫大师、建筑设计师、音乐家等，包括动漫中的虚拟人物。他们形成了“一批人”的整体状态，作为本国文化的核心向世界展示自己的成果。所以说日本设计师们的作品冷调、怪异也好、禅意也好，都只是当下日本文化的一部分。“一批人”的成功才成为走向世界的可能。

新京报：中国的独立设计师越来越多，您认为其中的原创性和惊喜有多少？

吕越：我认为原创性和惊喜本身并不是应当谈论的重点，重点在于：中国设计师对世界文化有否新的贡献？这个贡献在哪里？况且这种贡献是整体性的，不仅仅局限于服装设计师。

新京报：好的时尚具有艺术性，但时尚毕竟不是艺术，您如何看待时尚行业设计师对艺术的追求？

吕越：好的时尚与艺术是不可分割的。我正在主持的FashionArt（时装艺术）展览，从命名上看就把Fashion作为了定语来修饰Art，时装艺术是艺术的分支。

服装的市场定位可以比作一个金字塔，越往金字塔的上方走越注重精神，越往下走越注重物质，也就是实用性。最底层是面向大众的，顶上的三角形则是顶级品牌，最顶尖则是时装艺术之所在。顶尖的设计师一定是双重身份的：即是做创作的艺术家，又是为市场进行创造性设计的设计师。艺术是最高的原创，一个设计师若找不到自己的东西就不算有原创，只有顶级的设计师才能做到二者合一。

与此同时，顶点的高低决定了三角形底边的大小。因为顶点越高、设计的艺术性越高，则意味着底层会越大，意味着这个行业的发展规模、加价率空间、价值空间、生存空间越大；同样，底层越大，金字塔尖才能够顺利发展，实现价值和价格的提升。比如LV，它在价格上的提升倍率可以达到50倍，而在我们国家，由于创造力不够、“尖儿”升不到那么高，整个市场的容量也不大，所以一个品牌能达到12倍的提升倍率就已经很不错了。总的来说，行业内的艺术水平决定了整个行业的高度，想要行业整体好，那么艺术水准一定是要往上提高的。

新京报：你在的时装设计的教学当中，会怎样去引导学生理解“时尚”这个概念？对这个概念的解读，您是否有自己格外要强调的几点？

吕越：在教学当中，我教给学生这样的观念：“时尚”是时代的精神。能把时代的精神捕捉到你就成功了。这是比较宏观的东西。此外，我很强调三点：

1、审美能力。这是作为美院学生所要有的基本功

并且在学习过程中得到不断提升。没有审美的能力，其他也就无从谈起了。

2、对品牌的掌控力。首先必须很明白自己这个品牌需要什么，指向为何，然后当设计出一件衣服，就能够在“品牌”的概念下来判断它是好或不好。没有“品牌”的概念，设计是无法良性进行的。

3、进入“成型”过程中的控制力。服装设计师不仅仅只是画设计草图，图最后是要做成衣服的，所以从构思到完成的过程中，打版师、缝纫工的活儿你也都要能做。不要把打版、缝制当作“下游”部分，所谓上下游的部分其实都是归于设计师本人的一体的工作，你才是核心，其他工种只是你的辅助人员，你要能够看着成衣完全制作出来，在整个过程的各个节点上都有所掌握。

新京报：如今很多明星设计时装，亦有其他行业的设计师跨界设计时装，您如何看待“人人都是设计师”？

吕越：这就涉及到刚才说的“成型”过程中的控制力，这种控制力不是说设计师本人是否学过服装设计、是否懂得剪裁，而在于他对设计到成衣制作完毕的过程的了解程度，能否在需要把握的节点施以控制。所以某种程度上来说，会不会画草图并不是成为好的时装设计师的关键，只要你有对“成型”的控制力，能够最终将自己的思想体现在了成衣上，就称得上是一个好的时装设计师了。

采写：新京报北京专刊部记者陈晓