50多年前，时装艺术在美国的艺术界诞生，至今对时装设计的影响依然深远。时装艺术作品不仅体现在探索材料更新，打破布料局限，出现“软硬兼施”的局面，以及那些用玻璃、陶瓷，金属等硬性材料造就了一批“不能穿”的衣服，更重要的是认清了时装艺术作品不以是否“能穿”作为作品品格考量的重点，艺术家的着力点转移到对设计社会价值、文化价值和设计立场的思考。获得作品的张力，用作品说明问题，用艺术的魅力打动观众，才是时装艺术存在的价值。
当代时装艺术展呈现出新的特征，参与创作的作者有明显的双重身份。大学教师的比例在逐年增加，他们在服装设计教学的同时，加入了对设计社会价值和艺术价值的思考，并用自己的创作呈现出来；品牌公司工作的服装设计师也对在服装设计产品里屡见不鲜的“人云亦云”现象持驳斥态度，在自己的创作中表达出个性；职业艺术家青睐衣服与人、衣服与社会、衣服与灵魂之间的内在联系，对“衣服”情有独钟，屡屡选择在“衣服”这个题材上大做文章。这三种参展艺术家的职业背景带来的特殊角度让他们与时装艺术结缘，因此叠加了时装艺术家的身份。
本次展览邀约了20余位艺术家参加“衣裳之会”展区，他们覆盖了上述三种职业背景。这些源自内心深处的、带有自己思考的作品，正丰富着时装艺术的舞台，书写着“衣文化”的新篇章。
